out 212018
 
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O filme “First Reformed” ou traduzido no Brasil para “No Coração da Escuridão” é uma grande e bela incógnita. Nos colocada em forma de película, a dubiedade do mundo atual e suas questões mais simples levando a acreditar que o mais complexo pode ser entendido mas que ao mesmo tempo não conseguem trazer respostas imediatas. Ou consegue? Sim. Ficamos entre a fé nos homens e nas entidades religiosas, da cultura da não agressão aos atentados sangrentos e bem elaborados, entre crer e subverter, duvidar e se entregar aos vários dogmas da sociedade.

Ex-capelão e militar (Ethan Hawke), tenta ministrar o luto pela morte do filho e silenciosamente questiona a fé em de todas suas crenças e coloca em xeque sua relação as novas situações apresentadas e os fiéis que o cercam. Atormentado e em dúvida quanto a seus próprios demônios (incluindo uma separação recente) ainda passa pela provocação de um casal de jovens que estão próximos de ter um bebê e que não tem certeza se seu filho terá um lugar no mundo.

Entre os grandes cineastas de sua geração, Paul Schraeder é especialista em questões sociais e em colocar em perigo a ética e a própria credibilidade do público. Conhecido por ter escrito os roteiros clássicos de “Taxi Driver”, “A Última Tentação de Cristo” e “Touro indomável” faz sempre dos diálogos a maior expressão de suas obras. Instigantes e inusitados, as conversações e embates ideológicos deixam o público inquieto. Aqui não é diferente, porém com a câmera na mão ele consegue extrair ainda mais de seus personagens mostrando a amargura da perda, a consciência da dúvida e a certeza de uma parcialidade que, ao mesmo tempo redentora, não pode ser mostrada a olhos vistos para não ser julgado. A questão religiosa e moral é frequentemente colocada em discussão levando a exaustão e a um final derradeiro para os protagonistas.

Em tempos de intolerância política e redes sociais, acaba se tornando um filme de necessária reflexão.

set 182018
 
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A cada ano que passa fica mais difícil encontrar surpresas no cinema. Ou melhor, encontrar surpresas positivas e que venham a adicionar o grande número de produções que empolgam o espectador que está já entediado de mais do mesmo. Eis que no fim do túnel surge a luz de “Upgrade“: que não inova, mas renova.

A trama nos mostra um futuro (bem) próximo, onde a força da tecnologia controla a tudo e a todos, desde carros guiados por robôs, policiamento feito por drones até alimentação feita por impressoras 3D. Neste ambiente o mecânico de automóveis Gray (avesso a tecnologia), tem seu mundo virado de cabeça para baixo, e talvez a sua sua única esperança tenha refúgio justamente na tecnologia, que poderá lhe proporcionar a chance de um retorno triunfal.

É um filme de fácil compreensão e difícil comentar sem apresentar spoilers, pois quase todas as ações mais inusitadas acontecem na primeira meia hora do longa fazendo com que o público fique ligado e intrigado até o final. O clima futurístico e soturno apresentado pelo diretor Leigh Whannell cria um ambiente inóspito e robótico transmitindo que assim também será nosso futuro (tanto quanto o de cada personagem). Não muito diferente de “Jogos Mortais”, seu primeiro e estrondoso sucesso como roteirista que faz novamente a parceria com o agora produtor James Wan.

O ator Logan Marshall-Green é uma grata surpresa ao longo do filme. Sua transformação a cada cena (que é muito necessário) faz com que surpreenda a cada quadro, que se torna ainda mais interessante devido às ironias e provocações do roteiro. Já uma das cenas de luta inesperada em uma cozinha e que dura pouco mais de um minuto pode ser considerada um dos pontos mais altos. Sua reação pode ser tão inusitada quanto a própria sequência. O ator já é conhecido por suas atuações como coadjuvante em filmes como “Prometheus” (2018) e “Homem-Aranha: De Volta Ao Lar” (2017).

Uma pena que um dos filmes mais surpreendentes do ano não tenha entrado nas telonas do circuito comercial brasileiro (como muitos outros) e nem nos serviços de streamming por assinatura. Vale a busca. E muito.

ago 212018
 
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Quais ações sofridas na infância de uma pessoa pode ter reflexos diretos em sua vida adulta? Todas. Desde a formação de personalidade, escolhas profissionais, dependência química, dentre outras tantas sequelas que talvez ainda hoje não possamos dimensionar. Esse é o tema central de “Patrick Melrose” – seriado inglês em cinco episódios interpretado por Benedict Cumberbatch.

A trama nos apresenta o playboy da alta casta inglesa que deve ir buscar o corpo de seu pai recém falecido em Nova York. Pai que abusava sexualmente dele quando criança – fato que era tolerado pela mãe dentro da própria casa. Estas informações vão sendo introduzidas sutilmente e de forma homeopática em um primeiro momento, fazendo com que a rotina do protagonista seja entendida e suas atitudes sufoquem pouco a pouco o espectador. A empatia é imediata.

O romance auto-biográfico é quase uma sátira e um espelho da falida aristocracia inglesa. Com suas pomposas festas onde muitos falam de todos e nem todos conhecem exatamente o que falam. Mas falam. O circuito social de Patrick é um tortuoso caminho o qual deve ser tratado e enfrentado quase como uma solução para seus problemas com a alta drogadição: usada quase sempre como fuga de suas terríveis lembranças infantis. O que para muitos deveria ser um local de evasão e êxodo, para Patrick funciona como uma redenção conseguir sobreviver em meio ao caos. Entender e compreender este caos pode ser redentor.

O elenco escolhido a dedo é fantástico: o afetado e desajeitado Benedict Cumberbatch ( de “O Jogo da Imitação) faz um Patrick ora extremamente engraçado com trejeitos típicos, ora trazendo a melancolia e tristeza fruto do abuso de drogas como heroína e cocaína. Os pais interpretados por Hugo Weaving e Jennifer Jason Leigh são tão fortes que chegam a engasgar a cada fala. Isso fora o grande elenco que se esforça para trazer o que há de melhor a cada interpretação.

O roteiro bem cuidado para não parecer pedante nem monótono, aliado a uma impecável direção de arte juntamente com a excelente fotografia fazem cinco episódios parecerem muito pouco, podendo até estender a saga do personagem para outras desventuras. Vale a pena buscar e se emocionar com as histórias. Conseguir trazer para nosso cotidiano as observações do personagem principal não apenas com o ódio nem ressentimento, mas também a busca dentro de si mesmo por algo melhor.

jun 122018
 
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A primeira coisa que chama atenção neste filme sem dúvidas é a foto de Jim Carrey estampada na capa como uma isca perfeita aos desavisados. O ator ficou marcado por suas excelentes atuações em comédias e filmes pastelão, porém nunca quis ser rotulado desta forma, tentando por diversas vezes quebrar este paradigma interpretando dramas e agora um thriller de suspense. No caso de “Dark Crimes” ele consegue. De novo.

O policial Tadek (Carrey) investiga o assassinato de um empresário. Para surpresa de todos, o caso é comentado letra por letra em um livro escrito por Kozlow, renomado escritor. De acordo com o andamento das investigações mais informações vão surgindo fazendo com que a trama se torne mais sombria.

Gravado na Cracóvia (Polônia) o filme tem um tom acinzentado e sombrio demonstrando que direção de arte fez seu trabalho de forma correta ilustrando as atitudes de seus personagens. Porém somente este quesito funciona bem. Com uma trama bastante interessante, o roteiro consegue estragar a ideia inicial de um romance “noir” em que os confusos diálogos entre os personagens não parecem reais. Os personagens não possuem início nem meio, uma vez que entram e saem da tela com tanta facilidade que se tornam coadjuvantes da paisagem e da tentativa de uma boa direção.A direção que por sua vez começa bem montando um cenário que lembra muito as cenas de “8 Milímetros” de Joel Schumacher. Vai se esgueirando deixando referências de vários diretores, em especial nas cenas mais arrastadas em que Tarkovski é nitidamente citado. Mas em certos momentos parece que tudo é esquecido e voltamos a um espelho tacanho de filmes feitos por obrigação, como quem tivesse que entregar um trabalho a contra-gosto e deixa o espectador (que iniciou com a mente fervendo) com uma imagem morna e sem vontade. Tudo se deve também ao reflexo dos erros de (pós) produção e na demora de dois anos no lançamento da obra, que deveria ter chegado às telas em 2016.

Por incrível que possa parecer o grande destaque de “Dark Crimes” é justamente a atuação de Jim Carrey que se mostra firme e seguro conseguindo passar ao público seu esforço e capacidade. Uma pena que desta vez tenha sido engolido pelos erros de outros setores, que acabam por comprometer todo o contexto por mais interessante que possa parecer.

 

abr 212018
 
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Quando leio na sinopse do filme: “série original Netflix”, ainda faço cara feia. Apesar de o canal de streaming já ter produzido boas séries e com relativo sucesso de público como “House Of Cards” e “Orange Is The New Black“, a impressão é de que sempre falta algo para completar a película. Já na linha de documentários não há questionamentos. Mas neste caso específico, o filme “Órbita 9” não escapa destes incompletos e quase competentes, ainda que traga questões importantes e presentes hoje para nosso futuro como ética, biomedicina e clonagem humana.

Helena (Clara Lago) está confinada em uma nave espacial aguardando a chegada de uma missão de sobrevivência em outro possível planeta colonizável, desde que nasceu. Ela ainda não sabe, mas faz parte de um teste científico. Tudo muda em sua vida quando a ventilação de seu ambiente deve ser consertada por um engenheiro visitante de outra estação: surge uma atração inevitável. Mas essa repentina paixão pode colocar em risco o experimento e redefinir o destino das pesquisas. E até da humanidade.

A ideia é extremamente vantajosa e de uma ótima premissa para diversos assuntos e temas, infelizmente mal aproveitados. A quantidade de lacunas e pontas soltas em todo o filme (do início a fim) chegam a desanimar já nas primeiras cenas onde a atriz principal se apresenta ao público como uma mulher de vinte anos sem experiências “terrenas”: apenas informações dadas por vídeo pelos seus pais biológicos e por uma voz robótica fazem sua vida interna. Em um espaço reduzido e com informações limitadas, a personagem é esperta demais para o nosso mundo fazendo com que caia a cortina de um ser em cativeiro completo.

Mais adiante entra em sua vida o engenheiro Alex Kubic (clara alusão ao criador de “2001: Uma Odisseia no Espaço“), onde em questão de horas se apaixonam e trazem a tona um sentimento de ambos os lados talvez nunca percebidos. O que também acaba causando estranheza ao público uma vez que toda a “nave” está vigiada e somente aqueles momentos é imperceptível aos sensores. Dentre outros tantos detalhes que vão ficando para trás, que a obra acaba ficando chata e fora do âmbito que poderia. Personagens mais trabalhados e uma direção de atores ausente acabam fazendo uma grande diferença.

Também a questão de ética é bastante presente no filme: uma vez que se fala em existência da humanidade, o foco fica extremamente paralisado em seus protagonistas como se fossem os únicos que importassem para o restante do universo. No final esta individualidade acaba sendo o calcanhar de Aquiles de toda a produção. Pois se a sua órbita é a de número nove, somente o destino dela redefine a de todas as outras?

Ao menos agora já sabemos que a Espanha/Colômbia sabem fazr filmes de ficção.

Se pudéssemos o combinar com o drama já produzido, seria espetacular.

abr 102018
 
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Finalmente um filme para os fãs de Steven Spielberg. Aquele Spielberg de “E.T.”, “Indiana Jones”, “Minority Report”,
dentre tantos outros onde se ia ao cinemas certo de que uma grande aventura cinematográfica estaria prestes a rolar na telona. E o melhor: a garantia de mais um clássico a ser revisto várias e várias vezes. E em “Jogador Número 01”, está definitivamente de volta ao patamar.

O ano é 2044 e Wade Watts é um dos assíduos frequentadores de ambientes virtuais (bem como a maioria da população) e vive diariamente muito mais dentro do jogo OASIS do que no mundo real. Quando o criador do jogo morre, os jogadores são desafiados a descobrir os enigmas e “easter eggs” escondidos afim de conquistar uma grande fortuna. Mas o que parecia ser simplesmente um jogo de realidade virtual e avatares, se torna um desafio de vida ou morte.

Para quem é fã de video-games e/ou cinema, “Ready Player One” acaba se tornando um filme obrigatório devido a quantidade de referências “geek” de forma permanente: desde a presença do icônico carro DeLorean usado na trilogia “De Volta Para O Futuro” ou o famoso “Atari 2600” até imagens mais atuais de “Minecraft” e “Mortal Kombat”. Mas a grande homenagem feita pelo diretor está mais adiante com os personagens visitando “O Iluminado” de Stanley Kubrick (particularmente sendo meu diretor predileto). Todas referências acabam formando uma rede de cultura pop inestimável.

A trilha sonora também é pura nostalgia onde traz clássicos do “New Order”, “Van Halen”, “Rush” dentre outros. Outro grande trunfo do filme são as cenas de ação que, juntamente com os efeitos especiais fazem do filme algo diferente de tantos outros que acabam girando em torno do mundo eletrônico, trazendo agilidade e vigor a cada momento, fazendo uma miscelânea visual fantástica.

Normalmente quando as referências se tornam demasiadas acabamos caindo nos clichês. Mas quando os clichês são bem colocados, podem se tornar uma obra cult e quase obrigatória, bem como os filmes de Quentin Tarantino. Evitando comparações aos estilos cinematográficos, a ideia é bastante semelhante: de um mundo de tanto conseguir extrair o máximo sem ser pedante.

A crítica social também está presente de forma sutil e sem ser pejorativa como em outras obras de Spielberg. A imersão do ser humano em um mundo completamente virtual faz com que acabamos esquecendo aqueles pequenos detalhes que fazem a vida tão grande: o que acaba sendo essencial para a composição do personagem vivido por Tye Sheridan, qual necessita de contatos e ajuda fora da grande rede para cumprir sua heroica missão lá dentro.

Spielberg consegue unir o (in)útil ao agradável e compartilhar com as novas gerações todos os personagens e filmes dos quais também foi criador e pertenceu. O universo nerd/geek, por vezes introspectivo, pode ser um poço sem fundo e que pode ser explorado à exaustão ou ainda um universo finito que se reinventa a cada geração. Um filme que se tornará cult (se já não é) e referência para os que vierem a buscar entendimento do que tivemos de bom e ruim nos anos 80 e 90.

fev 222018
 
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Em tempos em que a tolerância e a resiliência são palavras de ordem para a convivência social e em comunidade, “Três Anúncios Para Um Crime” vem como uma patrola esmagando conceitos e dando liberdade àqueles que nada tem mais a perder neste mundo. Aos bons de coração e inertes ao mundo que os rodeia, o filme é o espelho de uma sociedade torta e que se enverga ao considerado mundano e consciente de que alguma coisa deve ser feita.

A história nos apresenta a Mildred Hayes, uma senhora extremamente ferida pelo estupro e assassinato brutal de sua filha. Descontente com as atitudes completamente relapsas da polícia na busca de um culpado, ela então decide tomar uma atitude extremamente inédita em se tratando da cidade pequena onde mora: aluga três outdoors em uma estrada próxima a sua casa. A repercussão é imediata tanto na cidade quanto nas redondezas, atraindo inclusive veículos de comunicação de outras localidades próximas. Porém as consequências acabam atingindo outras pessoas, incluindo o Delegado Bill Willoughby, responsável direto pela investigação.

Dizem que não há dor maior na vida de um ser humano do que a perda de um filho. Pois Frances McDormand consegue traduzir e mostrar nas telas durante todo o filme a angústia e força armazenada na personagem principal. Com um humor negro indefectível, sem ser agressivo e impactando a cada diálogo ela segue abalroando aqueles que seguem frente ao seu caminho: mas tudo tem um custo.A atriz consegue oscilar da comédia ao drama quando contracena com Peter Dinklage (o Tyrion Lannister de “Game of Thrones), por exemplo.

Outro contraponto da história é o delegado interpretado por Woody Harrelson que se vê em uma sinuca quando os anúncios são expostos. Ciente de um câncer que o consome rapidamente ele tenta resolver as situações a sua maneira. Dócil com as filhas e esposa, e feroz quando dentro de um uniforme o ator consegue dosar o peso do personagem sem ficar tão estereotipado ao ponto de o público não conseguir definir se o ama ou odeia. Um papel para poucos.

A grande surpresa em termos de elenco é a atuação de Sam Rockwell: um nojento policial com trejeitos abobados e violentamente brutal quando contrariado. O personagem cresce a cada cena tornando-se fundamental na trama até o final. O crescimento do ator não é de hoje, como já reconhecido em outros filmes e tendendo a buscar um revés mais dramático valorizando seus papéis anteriores.

A trinca de atores é o plano chave do diretor Martin McDonagh para fazer uma história que parece morna, aquecer a ponto de fervilhar a emotividade do público. O elenco suporta o peso sem maiores problemas fazendo o hilário e o singelo parecerem confortáveis dentro de um roteiro simples e inteligível. A capacidade de atuação dos três é tão forte que foram indicados ao Oscar 2018. É difícil levarem todos pois concorrem com outros monstros consagrados do cinema. Mas não é impossível.

Talvez vocês possa esperar muito mais de um concorrente ao Oscar com tantos talentos a disposição, ou uma direção mais contundente. Porém talvez a ideia seja justamente criar um ambiente de crítica tão corrosiva ao ponto de tentarmos entender o filme dentro de nossos próprios conceitos. Afinal qual atitude tomar diante da reação explosiva e consequente? A dor é mais suportável que a perda? E para quem não tem mais o que perder, quanto custa? Talvez uma obra que se torna tão necessária em nosso país frente a quantidade de ombros dados ao que vemos diariamente em nosso cotidiano.

fev 052018
 
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Quando se fala em Guillermo Del Toro, uma das primeiras lembranças que se tem é do seu premiado “O Labirinto do Fauno” onde uma menina tem missões a cumprir em busca de uma felicidade imortal – tarefas estas dadas por um ser mitológico. Não muito longe disso, o diretor traz mais uma de suas pérolas as telas do cinema com “A Forma da Água“, onde não somente seus filmes amadurecem como também os personagens e as intrigas se tornam pouco mais complexas do que as vistas anteriormente. Além de serem mais sutis, permanecem densas e tão pesadas quanto se pode suportar.

A nova obra nos traz Elisa (Sally Hawkins): uma zeladora/faxineira sem voz, que trabalha em um laboratório onde um homem anfíbio que foi descoberto pelos militares americanos e que está sendo mantido em cativeiro para pesquisas. Ela então se apaixona pelo estranho ser e monta um plano para ajudá-lo a escapar das garras tiranas de Strickland (Michael Shannon) que é responsável por ele até então. Tudo isto com a ajuda de seu vizinho e também de sua colega de trabalho (Octavia Spencer).

Apesar dos últimos filmes não terem sido tão abrangedores quanto o primeiro, Del Toro consegue trazer novamente seus elementos fantásticos e fazer de “A Forma da Água” uma divertida e tocante aventura, por vezes infantil, mágica e em certos momentos até erótica. Em épocas de estruturas politicamente corretas, metáforas e eufemismos baratos tentando ajudar roteiros, aqui as figuras de linguagem ficam de lado e são colocadas em seus devidos lugares com sexo (quase) explícito, masturbação soft, sangue, garras, violência e tiros. Mas nada disso se apresenta sem sentido ou casualmente. Tudo normalmente se encaixa como sempre em seu realismo absurdo e inteligível.

Em todo o filme também é clara a intenção de retratar as minorias em suas formas mais simples e diretas, desde os insultos que sofrem as personagens femininas: seja por suas condições de classe operária, seja pelo simples fato de serem mulheres. As estruturas dos atores foram bem trabalhadas e em cada um dos personagens é factível a extração de um conteúdo a mais, seja nos militares russos da guerra fria que buscam aniquilar as descobertas inimigas, seja no colega de quarto (Richard Jenkins) que tenta se recolocar profissionalmente e ao mesmo tempo em que deve aceitar que a tecnologia bate a sua porta, e que também em meio a todos problemas de trabalho ainda busca a felicidade homossexual em tempos severos e de tolerância zero.

O ambiente submerso que vemos em a “A Forma da Água” também é cuidadoso em demasia com a direção de arte, nos deixando a vontade em saber que cada detalhe não foi esquecido. A verossimilhança com os arquétipos das épocas sugeridas também nos remetem aos seriados dos anos 70 – com um saudosismo incrível – sem deixar de ser extremamente atual. Em certos momentos pode remeter a Tim Burton em “Edward Mãos de Tesoura” nas cenas mais tétricas e tristes (uma vez que a figura aquática encontrada é humilhada e ferida pelo simples fato de ser diferente e não falar o idioma local).
Em todo o filme também é clara a intenção de retratar as minorias em suas formas mais simples e diretas, desde os insultos que sofrem as personagens femininas: seja por suas condições de classe operária, seja pelo simples fato de serem mulheres. As estruturas dos atores foram bem trabalhadas e em cada um dos personagens é factível a extração de um conteúdo a mais, seja nos militares russos da guerra fria que buscam aniquilar as descobertas inimigas, seja no colega de quarto (Richard Jenkins) que tenta se recolocar profissionalmente e ao mesmo tempo em que deve aceitar que a tecnologia bate a sua porta, e que também em meio a todos problemas de trabalho, ainda busca a felicidade afetiva em tempos severos e de tolerância zero.
O título do filme também remete diretamente a uma fala do mestre Bruce Lee, onde em vários momentos ele sempre afirma para “sermos água”: contornar as dificuldades, adaptar-se as adversidades, modificar sempre suas formas para que o ambiente o acolha de forma mais intensa e prazerosa, sem deixar de ser água. Apesar das acusações de plágio que o filme vem sofrendo (e com razão) ainda assim é um excelente entretenimento e experiência cinematográfica.
Encontre a “Forma da Água” e aproveite.

jan 302018
 
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A arte de crescer não é nada fácil. E é justamente este o tema principal de “Lady Bird”, onde uma adolescente de classe média (Saoirse Ronan) tenta se adaptar ao meio onde vive passando pelas fases e dificuldades, dúvidas e escolhas típicas da idade. Mas o pássaro prestes a bater as asas e talvez voar, tenha um pouco mais a nos dizer neste singelo filme da atriz Greta Gerwig.

Apesar de ser o primeiro filme de Greta na direção, possui traços firmes de que não fez apenas um filme de adolescentes em crise de identidade, mas também mostra que pode ter maturidade para assumir novas responsabilidades a partir daqui. Ainda que “Lady Bird” não seja auto-biográfico, muito se tem da diretora: a mãe da protagonista é uma enfermeira, tal qual a mãe da diretora também é na vida real. Em entrevistas a diretora Greta comenta que sempre teve um comportamento completamente oposto a da atriz principal e que tinha comportamentos exemplares: talvez justamente aí possam estar todos, ou a grande maioria dos paradoxos.

Além da vida adolescente de “Lady Bird” McPherson, o foco traz à tona a difícil relação com sua mãe, que revela em meio a uma das discussões que não teve uma mãe com quem pudesse dialogar francamente. Porém justamente esta é a dificuldade: tentar a aproximação com alguém tão próxima e ao mesmo tempo tão distante, tão diferentes e ao mesmo tempo tão iguais.

Certamente “Lady Bird” bebeu em outras fontes, e de fato o espectador encontrará semelhança em outras obras. Mas com toda certeza em algum momento conseguirá se identificar (e talvez até se emocionar) com alguma passagem, e fará questão de se remeter a própria adolescência e questiona-la da mesma forma que Christine McPherson acaba por fazer. Quem nunca se arrependeu de algo, e apesar de ter voado um mundo inteiro, gostaria de voltar e fazer diferente? Talvez não melhor, mas diferente.

Definitivamente, como já falava e esbravejava o músico Belchior: “Ainda somos os mesmos, e vivemos como nossos pais…”

jan 022018
 
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Tudo tem seu início, meio e fim. Ou fim, início e o meio como já cantavam Raul Seixas e seu fiel escudeiro e escritor Paulo Coelho. Fato é que o último filme da saga “Guerra Nas Estrelas” ainda tem muito a contar: e não é mais do mesmo. Ao assistir “Os Últimos Jedi” é sensível sentir o poder do cinema novamente na veia dos envolvidos, e consequentemente dos espectadores. A lenda tentara se erguer em “O Despertar da Força” quando uma turma de competentes roteiristas, produtores e diretor (sob supervisão) resolveu retomar o projeto com gana. O resultado trouxe de volta a expectativa de grandes heróis e vilões em uma história não tão peculiar, mas o suficiente para dar o primeiro impulso.

Em “Os Últimos Jedi” o carro sobe a lomba com uma velocidade precisa, trocando de marcha gradativamente e acelerando com tudo no final. O piloto sai do carro com o dever cumprido e gosto de quero mais. E tem mais, muito mais. A “essência” está de volta. Neste novo capítulo tudo parece estar de volta e com uma precisão cirúrgica: o roteiro bem construído com reviravoltas e diálogos nada enfadonhos, tendo ainda até algumas alfinetadas na cultura americana e no “lifestyle” mundial, seguido de tramas quase complexas tal qual os demais, assemelhando-se em muito com o que a saga original trazia também.

A inserção de novos atores como Benício Del Toro dão novos ganchos e novo fôlego a possíveis prequels, bem como a destruição de ícones antigos faz com que a renovação seja algo natural. A presença de Mark Hamill é fundamental para a construção disto tudo e até a ponte para um final quase apoteótico. Falar de mais personagens atitudes seria quase um spoiler imperdoável.

Ainda que seja o mais longo dos filmes da saga, não se torna cansativo e tampouco pedante, mas muito pelo contrário: É bárbaro, décadas depois, ver os espectadores saindo do cinema e cantarolando a trilha de “Star Wars”… e obviamente aguardando pelo próximo.